viernes, 28 de septiembre de 2012

Headhunters




Después de celebrar nuestro segundo aniversario con lo mejor del último año; aquí va la película del verano que más me ha sorprendido.


El lado prepotente de Roger emerge ante los candidatos a ocupar un puesto de  directivo de una gran compañía. Se siente poderoso. Su mente experta de cazatalentos detecta al ingenuo pardillo que se dejará manipular y robar. Sí, robar, porque ésa es la otra actividad que incrementa el saldo de su cuenta bancaria. Ladrón de obras de arte, metódico y calculador. Necesita mucho dinero para mantener el ritmo de vida que desea ofrecer a su espectacular mujer.



Cree firmemente que el lujo maquilla su complejo de inferioridad (no llegar al metro setenta de estatura, para un nórdico, debe ser algo traumático).



En la inauguración de la galería de arte, su esposa le presenta a Clas Greve. Unas cuantas preguntas y sabe que se encuentra ante el hombre que puede cambiarlo todo. Será el definitivo, el golpe perfecto.



O puede que se convierta en la peor de sus pesadillas.

Intriga con buenas píldoras de humor negro y potentes descargas de violencia. Espionaje industrial y todo tipo de tretas para acabar con la competencia. Todo vale con tal de ser el número uno del mercado. Sin límites, ni escrúpulos. Siempre hay alguien dispuesto.


En el terreno más íntimo, un conflicto matrimonial: ella desea tener un hijo, él no parece estar dispuesto (tras siete años de casados). Sabe que ése es su punto vulnerable y aprovecha su ventaja. Amor y amantes. Traiciones y lealtad. Convivencia y soledad.



Crudo y espléndido retrato psicológico y social de los personajes principales, de sus ambiciones, mentiras y, también de sus temores. Miedo a ser rechazado, abandonado.



Un frío y sobrio juego de imágenes perturbadoras. Trepidante acción con un punto de partida reposado. Giros desconcertantes, contundentes, escatológicos, y un desenlace con regusto irónico. Fantásticos actores.



Para algunos, extremo e inverosímil. Para mi, frescura y subidón de adrenalina.

Director que proviene de la televisión y la publicidad. Poco después de aparecer en Días de cine el avance sobre Headhunters, tuve la oportunidad de ver Ángeles caídos (2008), su trabajo previo, que me mantuvo pegada al sofá todo el tiempo.

Me quedo con ganas de leer la novela de Jo Nesbo, que recomiendan a la par que el film en Página 2.



TÍTULO ORIGINAL Hodejegerne. DIRECTOR Morten Tyldum. GUIÓN Lars Gudmestad, Ulf Ryberg (Novela de Jo Nesbø). FOTOGRAFÍA John Andreas Andersen. Música: Jeppe Kaas, Trond Bjerknes. REPARTO Aksel HennieSynnøve Macody LundNikolaj Coster-WaldauJoachim RafaelsenGunnar Skramstad JohnsenLars Skramstad JohnsenSigne TynningBaard Owe. Noruega  2011, 98 min.

Cuéntanos el Cine de tu verano.

Hasta la próxima.

LU

viernes, 21 de septiembre de 2012

Segundo cumpleaños

 

¡Ya hace dos años que Zinéfilaz comenzó y queremos celebrarlo!

En este último año hemos crecido, lo que significa que este blog se ha enriquecido con nuevas incorporaciones y como consecuencia de ello  Zinéfilaz es mucho mejor.

Para celebrarlo, os mostramos más cine, como no podía ser de otra manera. Hemos decidido que cada una destacara una película que le haya impactado especialmente de las vistas en estos últimos meses, bien sean estrenos o clásicos recién descubiertos.

Aquí os dejamos los resultados en los que podréis apreciar la disparidad de nuestros gustos, que es algo por lo que  Zinéfilaz siempre ha apostado y, vistos los resultados, seguirá haciéndolo.
 
Te invitamos a que te unas a nosotras y nos hables sobre aquella película que destacarías de entre aquellas que hayas visto en los últimos meses. ¿Te animas?
 
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Lu (Tartaruga Máxica)


Si tengo que quedarme con lo más destacado de este año, sin duda en lo más alto pondría a Aki Kaurismäki. Después de ver Le Havre, hice una retrospectiva que me dejó encandilada, sobre todo Un hombre sin pasado.

No hablaba porque no tenía nada que decir.

Sin memoria, sin identidad, partiendo de cero y saliendo a flote gracias a sus nuevos compañeros de aventuras. Cine de sentimientos, de gente solidaria, de perdedores con fuerza para luchar.
 
 
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Troyana (Historias Troyanas)
 
Shame (2011)
 
No es por descontado la única película que me ha impactado durante el 2012, pero creedme, que en esta cinta del 2011 Steve McQueen me removió como espectadora, me incomodó, me hizo sentir y pensar, reflexionar, debatir, buscar respuestas a tantas preguntas que dejó en el aire y que de hecho siguen revoloteando a día de hoy en mi cabeza……..
 
Ése es el motivo principal de mi elección, a todo ello por supuesto contribuye un argumento centrado en personajes con un perfil psicológico complejo, atormentados, en el borde de una abismo personal, con taras emocionales no sé si salvables y con aristas y fisuras cuya explicación se concede más a la imaginación del espectador que al propio guión.
 
La excepcional interpretación del portentoso Michael Fassbender en el papel de Brandon, ese treintañero adicto al sexo, y de una extraordinaria Carey Mulligan en la piel de su frágil hermana, Sissy, hacen que esta perturbadora historia tenga garantizado mi interés de principio a fin. Desafinando o no, qué más da, ya pocos espectadores podremos olvidar esa escena en la que Sissy interpreta “New York, New York” entre las contenidas lágrimas de su hermano con una de esas miradas desconsoladas que en el cine no se pueden olvidar.
 
Mi elección viene al caso ya no son sólo los 36 comentarios en historias-troyanas, en los que hipotetizamos, interpretamos lanzamos más preguntas, teorizamos e imaginamos en torno a la trama y sus personajes, fueron también las reflexiones en petit comité que esta película dio pie en la vida no virtual…. no sé si se puede pedir más.


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Bruja Truca (24 veces por segundo)
 
 
Es una tarea ardua elegir lo mejor del cine de todo un año. Más aún cuando el abanico donde se nos da a elegir no se ciñe únicamente a los estrenos de este año.
 
En mi caso, se me hace difícil, pues tengo especial predilección por el cine clásico americano, y el decir clásico abarca desde el cine mudo hasta los años 70, que ya es ampliar el abanico. Así que para mí, fue una verdadera sorpresa el estreno de una película que mezclaba el cine clásico y el cine actual (por el sólo hecho de ser de 2011) y esa película es The Artist.
 
Soy consciente de que es una película que tiene tantos amantes como detractores. Puedo entender y entiendo a los detractores. Ellos argumentan que The Artist no es una película muda "pura". Y digo que puedo entenderlos porque es cierto: The Artist no es una película muda "pura" y, no lo es... porque no estamos en 1900. Partiendo de esa premisa, yo no esperaba ver una película muda, sino un homenaje al cine mudo con los adelantos técnicos de 2011 y eso, ni más ni menos, es lo que me encontré.
 
Creo que fue una apuesta arriesgada. Recuerdo que en la cartelera del cine "avisaban" a los espectadores de que en la película no hablaban. Lo que a algunos nos pareció una tontería, no era tan descabellado. Imagino que habría quien entrara al cine y al encontrarse una película muda saliera a pedir que le devolviesen el dinero de la entrada. Eso lo sabían y era arriesgado. Me gustó la película por innovadora, por arriesgada y porque creo, que fue un buen homenaje al cine mudo adaptado a los tiempos que corren.
 
Y para no extenderme más, que somos ocho cinéfilas, y ya que he argumentado el porqué me pareció lo mejor del año, os dejo el enlace a la humilde crítica que en su día escribí en mi blog.
http://24vecesxsegundo.blogspot.com.es/search/label/The%20Artist
 
Abrazos a todos.


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Noemí Pastor (Boquitas pintadas)
 
 
Del último año me apetece destacar la película Grupo 7, de Alberto Rodríguez Librero, con Mario Casas y Antonio de la Torre. ¿Por qué? Porque es de las que a mí me gustan: negra, policial, con personajes hechos y derechos, un guión sólido, buenas interpretaciones, buenos diálogos y excelente ambientación: la Sevilla pre-expo sin tópicos, sin flores, sin sol, sin Semana Santa, en los duros 80, cuando fluía la heroína. ¿Quién necesita efectos especiales y presupuestos galácticos?
 
Grupo 7 pasó por la cartelera sin pena ni gloria. Ahora parece que la quieren rescatar como candidata al Óscar. Pero, aunque me gustaría equivocarme, me temo que una peli así no tiene nada que hacer en Hollywood, ni puñetera falta que le hace.
 








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Bargalloneta (PARLEM UNA MICA DE CINEMA?)
 

Alemania año cero

Dos años... parece ayer cuando Troyana me proponía esta loca aventura de hacer un blog entre varias chicas amantes del cine que ni siquiera nos conocíamos...
 
Dos años y ahora ya somos una gran familia que  va aumentando... Para celebrarlo hemos decidido que cada una aporte su granito de arena contando qué película nos ha gustado más este último año.

Como siempre , y para variar.... difícil decisión, porqué he visto algunas que me han gustado y otras que me han impactado, y otras que ahora revisando ni me acordaba.... he decidido finalmente hacer el comentario de una película que pasamos en el cine club de mi ciudad en el que participo: Alemania año cero.

Producción italiana del año 1948 donde el gran Roberto Rosellini rueda en el mismo Berlín recién acabada la Segunda Guerra Mundial, el horror que no sólo produce la guerra en si, sino todas sus consecuencias posteriores.

Filmando una historia tremenda en forma de semidocumental (todos sus paisajes eran reales), Rosellini nos explica la historia de Edmund un niño de apenas entrada la preadolescencia que tiene que sobrevivir a los horrores de la posguerra intentando mantener a su familia: un hermano, ex-soldado desertor de la guerra, su hermana que se prostituye a cambio de favores y su padre enfermo postrado en la cama. En su tremenda vida diaria, Edmund irá descubriendo una terrible lección: los más débiles han de sufrir para que los fuertes puedan sobrevivir. El final es una de los más impactantes que he visto jamás!
Rosellini no tuvo ninguna concesión ni en la historia ni en las imágenes, golpeando fotograma a fotograma la sensibilidad del espectador.
 
Padre del neorrealismo italiano, con esta cinta, Paisá y Roma, cittá aperta, rodaría la desgarradora trilogía sobre los horrores de la guerra.
 
¿Por qué la he escogido? Reconozco que su visión me impactó tanto que tras meses todavía pienso en ella... y eso, no es fácil!
 
Felicidades chicas!!!

 
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Manderly (Anoche soñé que había vuelto a Manderly de nuevo)
 
 
La mayoría de las veces, películas grandes pasan desapercibidas o ni siquiera se exhiben en las salas de cine. Suelen ser películas que se ven en Festivales y que para el inmenso público pasan desapercibidas porque su publicidad es mínima.
 
Los cinéfilos buscamos este tipo de películas aparentemente pequeñas en medios pero que son capaces de hacernos sentir y este año esto ha ocurrido con la película iraní Nader y Simin, una separación del director Asghar Farhadi que ya nos había sorprendido con A propósito de Elly (2009), y que ha obtenido el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa en la pasada edición de estos premios.
 
Para mí, el tema principal de esta película no ha sido 'una separación', como indica el título. Creo que este tema queda un poco en segundo plano dejando como argumento principal las consecuencias de las decisiones y miedos personales, todo ello envuelto, en este caso, en la cultura iraní donde la tradición y la religión están muy presentes.
 
En ocasiones, parece que la vida juega con nosotros y, a partir de hechos cotidianos, comunes y corrientes, nos lleva a una serie de situaciones difíciles que somos incapaces de controlar. No quiero detallar nada más sobre su argumento ya que lo importante es ir descubriéndolo poco a poco y al mismo tiempo que los protagonistas.
 
Giros argumentales y buenos diálogos nos hacen sentir la tensión y el drama que están experimentando una serie de personajes que buscan poder continuar adelante, poder continuar viviendo.
 
No nos dejemos llevar por las grandes producciones, la mayoría de las cuales sólo consiguen deslumbrarnos y cegarnos sin dejarnos ver más allá. Cada tipo de cine tiene su momento y ahora, animo a disfrutar y recapacitar con Nader y Simin, una separación.


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Juli Gan (La Basque Bondissante)


Para celebrar el segundo aniversario de Zinéfilas, y dado que es un blog creado por féminas aficionadas al séptimo arte, vengo a referiros una pequeña aportación de cual ha sido la mejor película vista este año. Desde que me trasladé de ciudad no piso tanto las salas de proyección, como lo hacía en la capital del Zinemaldia.
 
Aquí, hasta la semana pasada había dos multicines, uno, en el centro de la ciudad y el otro en el centro comercial. El de la ciudad lo acaban de cerrar hará un par de semanas, así que no queda otra opción que hacer una excursión a otra gran urbe o gran superficie y ver las mismas porquerías llenas de efectos especiales, ¡¡Pero en 3D!!,  o tirar de descargas de Internet, que a menudo no son de Films en el mercado. Intocable aún no la he visto, porque el cine francés, a pesar de ser conocido, aquí solo se exhibe una semana.
 
Así que, este año he disfrutado de poco cine, y mucho me temo que, en tiempos venideros, lo haré menos aún. Puede decirse que la película que recuerdo con mayores sensaciones de todo este año ha sido La voz dormida, donde Benito Zambrano ha sabido llevar la sensibilidad y la dignidad en una historia tan dura de una España tan gris. Aún no he leído la novela, cosa que me avergüenza decir, pero la película, a pesar de basarse en un tema tan manido como es la guerra civil, la trata desde una visión poco acostumbrada, desde el punto de vista de una joven de baja clase social que ha vivido la guerra como algo ajeno a ella y que se encuentra de sopetón en un mundo lleno de iras, odios, cárceles, familiares hundidos en los dos bandos y fatales resoluciones sumarísimas de consejos de guerra, pero donde aún queda un transfondo humano y un sentimiento generoso de amor de alguien que se ha encontrado, sin quererlo, en medio de una sociedad despiadada y temerosa. Mujeres enormes como el personaje que encarna María León, en un papel opuesto a su habitual comicidad, las ha habido y esperemos que las siga habiendo.
 
No es una obra maestra, pero está rodada con la dirección experta de Zambrano, que sabe mostrar sentimientos de una manera impecable. Es una película amarga, pero bella, de la que es difícil no salir embargada por la emoción.
 
Felicidades, Zinéfilaz, y que cumplas muchos más.
 
  
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Moniruki (Papel desgarrado)
 

Para mí una de las mejores cosas que ha tenido este año, cinematográficamente hablando, ha sido la película “The Raid”, porque es una especie de “resurrección” del cine de acción, un género que parece que lleve muerto desde hace algunos años. Por supuesto que ha habido varias excepciones, pero ninguna como The Raid”.

Mientras la industria hollywoodiense intenta revivir el cine de acción con antiguas glorias del género, como por ejemplo, con “Los Mercenarios”, llega una película de Indonesia, rodada con bajo presupuesto y dirigida  a círculos poco comerciales, y pega el campanazo, y aun sin ser la mejor película de acción de la historia, si que es, como dijeron de ella el año pasado en  el Festival de cine Fantástico de Toronto:  la mejor película de acción de los últimos diez años.

El argumento es muy simple, aunque eficaz: en un edificio de los suburbios de Yakarta se esconden varios de los criminales más peligrosos del mundo. Aunque el edificio siempre ha sido considerado intocable por la policía, un equipo de los SWAT decide hacer una redada en él para intentar atrapar a un despiadado señor de la droga que se oculta el último piso del edificio, protegido por 30 plantas repletas de violentos asesinos.  La noticia del asalto policial llega a oídos de los criminales, y cuando la policía entra en el edificio, cortan la luz y bloquean las salidas, con lo que el equipo de los SWAT queda atrapado y entonces comienza la movida.

Como veis la trama no es muy original, de hecho el propio director, Gareth Evans, reconoce que hay varios conceptos de películas como “La Jungla de cristal” o “Asalto a la comisaría del distrito 13” que  influenciaron la historia.

Guión fácil, que no facilón, para una película en la que lo que de verdad importa son las hostias (hablando mal y pronto). Rápida, ultra-violenta, intensa y con una fantástica banda sonora de Mike Shinoda (miembro de Linkin Park). Descargas adrenalina, te entretienes, ¿qué más quieres?

Me gustaría destacar la pelea del final, la de los dos hermanos contra Mad Dog. Sencillamente brutal (los que la hayan visto me entienden…).

 
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¡Muchas gracias a todos y todas por hacer que Zinéfilaz continúe!
 
 
 
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viernes, 14 de septiembre de 2012

Atmósfera Cero

Hola, me llamo Mónica y me uno a las Zinefilas para hablaros de ese cine que se supone que no nos gusta a las mujeres, cine cutre, casposo, diferente,  de terror, gore, giallos, de acción, de artes marciales, y hoy, para estrenarme he elegido un peliculón de ciencia-ficción: ATMÓSFERA CERO.


Atmósfera cero’ (‘Outland’, 1980) está ambientada en una colonia minera de Io, una de las lunas de Júpiter (es curioso, porque son varias películas y libros de ciencia-ficción los que coinciden en el hecho de que será posible vivir en diferentes lunas de Júpiter. Parece ser que los satélites del planeta gigante, supondrán la puerta al espacio en el futuro). El personal de la mina se rota cada año, y el jefe de seguridad William T. O’Neil (Sean Connery) lleva dos semanas en su nuevo puesto, lo acompañan su esposa Carol y su hijo. Carol, que al principio de la película, harta ya de viajar de un lugar a otro del espacio, decide regresar a la Tierra, pide a O´Neil que se vaya el también con ella y con su hijo, pero el se niega a irse, al menos hasta que finalice la investigación sobre la misteriosa muerte de varios mineros. No os cuento más.


Pruebas de vida en las Lunas de Júpiter. Ganímedes, es otro de los satélites de Júpiter. En su primer viaje intergaláctico, Carlos Jesus fue a Ganímedes y dijo que sus habitantes están muy evolucionados. Ahí lo dejo...

Durante la investigación sólo contará con la ayuda de la doctora Lazarus, la doctora de la colonia, una mujer fuerte, inteligente y valiente. En un primer momento se pensó en la actriz Colleen Dewhurst para dar vida a este personaje. Finalmente se lo dieron a Frances Sternhagen que recibió el premio a la mejor  actriz secundaria de la Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror Films por este papel.

De mayor quiero ser como la Doctora Lazarus
Colleen Dewhurst, entre muchísimos otros papeles, fue la voz del diablo en el Exorcista 3 

Se la podría considerar un remake (no oficial) de la película ‘Sólo ante el peligro’ (‘High Noon’, Fred Zinnemann, 1952) y aunque he de reconocer que no suelen gustarme los remakes (porque la mayoría de películas que se versionan no necesitan ninguna puesta al día y menos con esas versiones insulsas que no aportan nada nuevo)  Atmósfera cero es una excelente versión de este clásico del  oeste, totalmente recomendable.


Y hablando de remakes, en el verano de 2009 Warner Bros. y Hollywood Gang Productions, anunciaron que estaban preparando una versión de Atmósfera cero que estaría dirigida por Michael Davis (director de “Shoot´Em Up”, con Clive Owen, Paul Giamatti y Monica Bellucci), y que  Chad St. John se ocupará de la nueva versión desde el guión original. No tengo nada en contra de Davis, de hecho Shoot´em up me pareció entretenida (aún sin ser ninguna maravilla, todo hay que decirlo), pero me imagino el tipo de versión que va a hacer, una versión con un montaje mareante, más interesada en los efectos especiales, en la parte visual que en mostrar el fondo real de la historia, la soledad del protagonista, su sentido del deber… actualmente no tengo ni idea de cómo va este proyecto, aunque espero que se quedara en eso, en proyecto y que finalmente se haya olvidado.
Si os fijáis algunos personajes tienen nombres que homenajean a grandes escritores de ciencia-ficción, como Sagan (por  Carl Sagan) o Ballard (por J. G. Ballard, sí, sí, el autor de Crash, la historia que versionó David Cronemberg en 1996).
Otra curiosidad es que Peter Hyams no firma la fotografía, sino Stephen Goldblatt (Arma Letal 1 y 2, Closer, Criadas y Señoras…). Los seguidores  de Hyams saben que lo normal es que el mismo se encargue de la fotografía de la mayoría de las películas que dirige. Vamos, yo hasta hace poco no me enteré, además, es que el ambiente neblinoso y ligeramente desenfocado me recordaba al de la película “2010, Odisea dos” que sí que es de él.

Dudo mucho que sin atmósfera el cuerpo responda así y explote la cabeza, pero no seamos tiquis-miquis 

Jim Steranko realizó una versión en comic de la película, que se publicó en 1982 en la revista Heavy Metal. Steranko es un gran autor de comics de culto y Atmósfera cero  es uno de los más importantes. Se trata de una obra muy apreciada por los críticos y aficionados más informados, que aunque no ha disfrutado de una gran repercusión popular y ha influido enormemente en las obras de varios autores


En resumen, que os recomiendo que si no la habéis visto os animéis a conocerla, porque merece la pena, en serio. Sean Connery está espléndido y podréis ver una de las mejores persecuciones (a pie) de la historia del cine.
Me despido con un trocito de su banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith.
Un saludo y larga vida y prosperidad.





Moniruki

viernes, 7 de septiembre de 2012

Woody Strode, un físico envidiable de una raza maldita


Tengo el honor de comenzar publicando en este blog después del período vacacional y he decidido dedicar este primer post a la figura de un actor de reparto legendario. Ex atleta, con un físico imponente aunque inexpresivo, quizá, también porque lo suyo eran papelitos secundarios, ya que su bronceado color no era del agrado de los que mandaban en su país, tanto en el gobierno como en la industria cinematográfica. Les presento a Woody Strode (1914-1994).

 La de veces que llevaba el rifle a mano

A pesar de que sí existió, aunque de manera mínima, alguna productora de cine para afroamericanos, para el gran cine de la industria poderosa, los negros no eran sino personajes de reparto. Jamás protagonistas y si había que poner a un afroamericano siempre era haciendo el mal, como en el nacimiento de una nación de D.W. Griffith, que es una pura justificación de la creación del Ku-Kux-Klan, por muy obra primigenia del cine moderno que sea, o bien en personajes tontos o de servidumbre.  Si había algún personaje negro importante era un blanco tiznado, como Al Jolson en el cantor de jazz.

Draba, el gladiador más fuerte, en Espartaco.

Gracias a un personaje de servicio, pero llevado con una elegancia y profesionalidad exquisita, la hija de esclavos libertos, Hattie McDaniel consiguió el primer Óscar para un artista afroamericano por bordar a la Mammie de lo que el viento se llevó. Hasta muchos años después no se volvió a conseguir el segundo, ni siquiera la malograda Dorothy Dandridge de Carmen Jones fue la elegida treinta años después.

Kenny Washington (arriba) y Woody Strode (abajo), los negros del equipo universitario.

En los años 30, la universidad de UCLA tenía un contable número de estudiantes afroamericanos, la mayoría de ellos excelentes atletas. Woodrow Wilson Woolwine, Woody Strode para nosotros, un joven californiano de metro noventa con un físico imponente se dedicaba al decathlon y al fútbol americano con encono. Tanto es así que fue, junto a Kenny Washington, uno de los dos primeros afroamericanos en jugar en la NFL, en un equipo angelino. Luego pasó a Canadá a jugar en la liga profesional de aquel país, y al colgar el casco, se dedicó a la lucha libre profesional. Era un atleta multidisciplinar.

Atleta de la UCLA, la universidad angelina.

Hizo algunos papelitos, sobre todo de figurante. Hasta salió sin acreditar en la diligencia (1939) de John Ford, el cual recurrió a él siempre que necesitó un personaje afroamericano. Fue el león de Androcles y el león, de 1952 gracias a su imponente figura.  Y era recurrente como africano en películas o series de televisión donde ocurrían aventuras en África, como en la serie Jungle Jim, 1955, protagonizada por Johnny Weissmuller, cuando el físico ya no le daba para hacer de Tarzán. Su primer papel de alguna relevancia tuvo lugar en los diez mandamientos de Cecil B. de Mille, la de 1956, donde, además de hacer de rey derrotado de los etíopes, sale como porteador de la camilla de la madrastra egipcia de Moisés. Su físico era adorado por las cámaras.

Africano en un Tarzán de serie B

En 1960, John Ford lo requiere para que haga el papel del sargento Rutledge en el sargento negro, donde encarna a un sargento de un destacamento de afroamericanos al que someten a juicio pues lo creen culpable de violación y asesinato. Claro está, él es un personaje secundario, con rostro impasible, que sabe que lo van a hallar culpable de un delito que no ha cometido, pero que gracias a la defensa de un teniente, interpretado por el malogrado Jeff Hunter, verdadero protagonista blanco de la historia, es hallado inocente del crimen. Como suele ser recurrente en el cine de Ford, hay guiños a la bebida y al juego, porque una de las cosas más importantes para el tribunal militar que juzga, es seguir la partida de póker que tienen montada.

Primer papel con enjundia, el sargento Rutledge.

El mismo año, Stanlyey Kubrik lo reclama para hacer del gladiador Draba en Espartaco. Necesitaba un atleta de físico espectacular que ganara y perdonara la vida al insurgente tracio encarnado por Kirk Douglas. Draba se niega a matar a su colega y por ello recibe el castigo de la muerte, lo cual es el motivo de la revuelta de los esclavos liderados por el propio Espartaco.

Draba y Espartaco luchando para vivir.

A partir de estas fechas, Strode se convierte en un actor de reparto codiciado, sobre todo en films ambientados en el western. Hasta llega a hacer de nativo americano en Dos cabalgan juntos, 1961, donde hace de guerrero indio para Ford.

Haciendo el indio para Ford

John Ford vuelve a contar con él en el hombre que mató a Liberty Valance, 1962. Una recomendable historia sobre el vandalismo del oeste, y como una mentira te puede aupar hasta el senado. En este film, Strode se llama Pompey y es el chico para todo del rudo John Wayne que ve como la chica analfabeta que le gusta, Vera Miles, prefiere al honrado abogado y maestro James Stewart. Es más, Pompey aparece intentando aprender a leer en la escuela que ha montado Ransom Stoddard (James Stewart), pero llega John Wayne y le dice que para qué va a aprender si no le servirá de nada.

El sumiso Pompey, criado de John Wayne.

Pompey, además de ser el servicial criado de Wayne que llega incluso a salvar la vida del rudo ranchero irlandés, es el personaje al que niegan la entrada al salón o cuelan siempre por la puerta de atrás de la casa de comidas, aunque su presencia armada de un winchester 73 siempre sea como la de un ángel custodio ante la maldad manifiesta de Liberety Valance (Lee Marvin).

Siempre servido en la cocina, vigila con el winchester 73

 Durante los años 60, es asíduo de filmes como los profesionales o los vengadores. Incluso, ante la arribada de los consabidos spaghetti western, llega a ser un habitual del género. Leone lo fija como uno de los asesinos impasibles de la estación en Hasta que llegó su hora, 1968.

El asesino de la estación que espera a Armónica.

A partir de los 70 continuará siendo una figura recurrente tanto en pequeñas producciones norteamericanas o italianas. En la ambiciosa Cotton Club de Coppola, ya llegados los 80, obtiene un papel. Los actores afroamericanos ya van adquiriendo su parcela de poder. La última aparición fílmica de Strode tiene lugar en rápida y mortal, de Sam Raimi (1995), donde Sharon Stone encarna a una pistolera rodeada de otros tantos, todos ellos viejas glorias del western o actores que apuntaban al protagonismo de futuras obras de acción.

Woody no sale en los títulos de crédito

Woody Strode jamás tuvo un papel protagonista, y es que durante los años en los que él actuara, los afroamericanos, al menos en el cine de las grandes productoras, no tenían cabida. Siempre era uno de los habituales actores de compañía de los protagonistas, siempre blancos y atractivos. Strode era el amigo fiel callado y de semblante adusto.

Juli Gan